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Jest naszym zamiarem, aby strona internetowa opera.info.pl, w niedalekiej przyszłości powróciła w nowej formie do swoich czytelników. Nadal będzie to przedsięwzięcie czysto hobbistyczne, ale o innym charakterze i innych rozmiarach. Zasadniczy cel, nie ulegnie jednak zmianie. W dalszym ciągu będziemy opowiadać o operze, która bardzo potrzebuje wsparcia jej miłośników.

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Beata i Michał Olszewscy
opera.info.pl - 11/05/2015

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FESTIVAL DE OPERA TIGRE VERSIÓN ESPAÑOLA

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Festival Opera Tigre - cronica

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Se cerró la primera edición del Festival Opera Tigre (FOT) tras las dos funciones previstas de THE FAIRY QUEEN (LA REINA DE LAS HADAS) realizadas al aire libre. En la representación se interpretó gran parte de la música que Henry Purcell compuso para la comedia de William Shakespeare SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO. La versión presentada en el FOT fue una versión creada específicamente para este evento combinando la música de Purcell y el texto de la obra de Shakespeare. Por ello, el plantel de artistas que intervenían en la obra superaba el medio centenar de intérpretes entre los que se encontraban cantantes, músicos, actores, bailarines y acróbatas. Con una asistencia media de más de cuatrocientos espectadores por función, ambas funciones colgaron el cartel de "no hay entradas" y centenares de peticiones de entradas no pudieron ser atendidas. El público llegó mayoritariamente a Kaiola Blue - la isla donde se representaba la obra -  en las lanchas organizadas por Sturla Viajes recorriendo los canales del Delta desde la estación fluvial de Tigre.

La producción concebida y dirigida por Michal Znaniecki se desarrolló en los distintos escenarios previstos de la isla. Desde la llegada de Teseo por el arroyo Gélvez a bordo de una canoa hasta llegar a desplazarse a la profunda selva siguiendo las dos parejas de amantes, el público recorrió los distintos espacios que incluían el rein o de Oberón, la cueva de Titania, el palacio de Teseo o el teatro donde los artesanos se convierten en los actores de la cómica tragedia de Píramo y Tisbe. Así el público avanzaba entre una escena y otra formando parte de este inmortal comedia donde se mezcla lo humano con lo divino, lo real con lo onírico, la comedia con el drama. Ya en el inicio el luminoso barítono Juan Feico como Teseo hizo un divertida interpretación de la Canción del borracho acompañado por el Coro del Festival y las dos hadas interpretadas por dos exquisitas sopranos como Oriana Favaro y Ana Moraitis, quienes también hicieron una creación de cada una de las canciones que interpretaron como solistas a lo largo de la obra. La cálida voz de tenor Pablo Cameselle dio cuenta de las arias y el texto del travieso Puck, bajo las órdenes del aterciopelado timbre del bajo Gustavo Ariel Vita en el papel de Oberón. La soprano polaca Ewa Biegas, quien había abierto con gran éxito el FOT el pasado 25 de Enero con un recital lírico, captó la atención del público en sus tres arias especialmente en el conocido y bellísimo Lamento de Titania que fue uno de los momentos más aplaudidos de la función. En el plano actoral el cuarteto de actores formado por Romina Correa, Klau Anghilante, Tomás RIvera Villatte y José Dondo contagió al público de energía con la locura y el frenético torbellino de pasiones en el que se ven envueltos los jóvenes amantes a lo largo de la obra, y observados con tierna pero mayestática autoridad por Teresa Floriach en el papel de Hipólita. Sirviendo con eficacia a su reina como Hada Semilla, Araceli Flores se enfrentó con valentía a Puck. El público arrancó a reír y a aplaudir espontáneamente ante la actuación de los cuatro divertidos artesanos Carlos del Río, Nicolás Adolfo Alsina, Fernando Gutiérrez y Ricardo Villani, estando a cargo de este último el papel del asno que enamora a Titania.

Festival Opera Tigre photo (c) Varela / Bouix Festival Opera Tigre photo (c) Varela / Bouix
Festival Opera Tigre photo (c) Varela / Bouix Festival Opera Tigre photo (c) Varela / Bouix
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El ballet a cargo de Diana Theocharidis construyó magistralmente con sus fluidos movimientos dentro y fuera del agua el ambiente mágico de la corte de elfos y hadas de la reina Titania, apoyados por la cuidada y evocadora ambientación de luces y proyecciones a cargo de Bogumil Palewicz sobre la escenografía de Luigi Scoglio. El trasfondo musical estuvo a cargo de un original ensemble instrumental compuesto por Pablo Mainetti (bandoneón), Jon Paul Laka (acordeón), Pedro Chalkho (guitarra eléctrica), Diego Fischerman (flauta de pico) y Ana Ares (violín) quienes mostraron una gran flexibilidad e imaginación al interpretar la música barroca, y un gran espíritu de aventura acompañanado a los intérpretes en los diversos traslados hacia los escenarios donde se desarrollaba la acción. Y hablando de aventuras, hay que mencionar las arriesgadas piruetas y ejercicios desarrollados por el cuerpo de acróbatas que contribuyeron a componer un espacio mágico habitado por seres sobrenaturales.

Ambas funciones terminaron con el más cálido y entusiasta aplauso del público que llenó por completo el aforo previsto. Dos funciones, dos sueños de una noche de verano que es de esperar tengan continuidad en las próximas ediciones del FOT. Una iniciativa que ha demostrado su razón de ser a partir del resultado artístico obtenido y sobre todo a partir del entusiasmo y apoyo del público que desbordó cualquiera de las previsiones más optimistas de los organizadores del Festival. Si bien el duende Puck cierra esta inmortal comedia dando las buenas noches al público para cerrar el telón, ojalá que los duendes del Delta estén ya preparando la subida del mismo telón para el año que viene.

Czytaj więcej: Festival Opera Tigre - cronica

Fotos Concierto Lirico

Eve Biegas recital. Concierto Invitado - Pablo Cameselle, en el piano - Jon Paul Laka. Director de fotografía Pablo A. Varela.

 

Concierto Liryco fotos (c) Pablo A. Varela Concierto Liryco fotos (c) Pablo A. Varela Concierto Liryco fotos (c) Pablo A. Varela
Concierto Liryco fotos (c) Pablo A. Varela Concierto Liryco fotos (c) Pablo A. Varela Concierto Liryco fotos (c) Pablo A. Varela
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Teresa Floriach - entravista

Teresa Floriach photo (c) Alejandro Ares published by courtesy of the Festival Opera Tigre
Teresa Floriach
photo (c) Alejandro Ares / clic para ampliar

Bio de Teresa: Actriz, ha trabajado bajo las órdenes de directores como Luis Tenewicki, Calixto Bieito o en estos últimos años con Michal Znaniecki. Con él ha hecho, Desconocidos, Anatomía del rey Lear (ambas en Villa Ocampo), Emigradas en Blue (obra que fue al festival InterMedios en México), o “Kronos, una calma erótica”, basada en el diario íntimo de Witold Gombrowicz. Obra que ha sido presentada en la “presentación del festival ópera Tigre”, en Villa Ocampo, en el Festival Internacional Gombrowicz en Buenos Aires, próximamente en el teatro Solís de Montevideo y en Polonia y España durante el 2015 y 2016.

Renzo Longobucco: Teresa, No es la primera vez que trabajas como actriz en Kaiola Blue ; ¿Cómo has vivido la relación entre Rita Gombrowicz y el publico encerrada en un cubo de tules?

Teresa Floriach: Puede parecer una contradicción, uno pensaría que al estar encerrada en un cubo de tules, te puedes sentir más distante, más protegido de la mirada del público, sin embargo sucede lo contrario, porque esa supuesta protección, te permite desnudarte más, exponerte más, y los tules desaparecen completamente, metafóricamente hablando al principio y realmente después, dejando a Rita con el alma destruida expuesta, juzgada por la mirada del público y la suya propia. Ha sido y es una experiencia maravillosa.

Renzo Longobucco: En cuanto a distracciones y concentración en un lugar lleno de vida propia (perros, lanchas, aviones, mosquitos) ¿Cómo cambia tu estar en escenario?

Teresa Floriach: Ahhh eso…es un tema, fantástico a mi entender, y creo que al del director, Michal Znaniecki también. Justamente eso, te genera vida. Vida en lo que estás haciendo, conexión con el entorno, no puedes ser ajeno a eso, y si tienes el texto bien integrado y entiendes el personaje y a donde va, lo que pasa en el medio, sólo suma si lo puedes sumar. En todos los cursos de teatro hablan de ese tema, de cómo los accidentes en escena son buenos, ahí, en kaiola blue, se dan sí o sí, porque no puedes controlar los perros, ni las lanchas…

Teresa Floriach photo (c) Pablo Varela y Daniel Bouix published by courtesy of the Festival Opera Tigre
Teresa Floriach
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Renzo Longobucco: La idea de hacer un festival de ópera en una isla es una utopía de un Fizcarraldo polaco, Michal Znaniecki: ¿Cómo es vivir y trabajar en el sueño de otra persona?

Teresa Floriach: No sé como es vivir el sueño de otra persona, sé como es vivir el sueño de Michal, que consigue que se convierta en tu sueño también, siendo todos los integrantes del equipo un poquito Fitzcarraldos también, si bien las cabezas del proyecto son Michal y Jon Paul, todos somos una pequeñita parte de eso. Afortunadamente, trabajar con ellos es un lujo en todos los sentidos, artístico, intelectual, humano…me siento muy afortunada.

Renzo Longobucco: ¿Shakespeare y Gombrowicz son mundos teatrales distintos ?

Teresa Floriach: No creo, no, para mi lo único que los diferencia es que en Buenos Aires y en el mundo occidental, es más conocido Shakespeare, sus obras han sido mucho más representadas, bueno, es lógico, tienen muchas más años escritas. Pero los dos, tocan los temas que hacen al ser humano un ser complejo e interesante. El teatro debe hacerte pensar, movilizar alguna fibra de ti mismo, para mi eso es lo importante, y creo que cualquiera de los dos, hace eso en sus mundos teatrales, la forma al final es lo menos, si consigues que eso suceda.

Renzo Longobucco: En un espectáculo donde hay mas de 40 artistas: actores, cantantes, acróbatas, músicos y bailarines. ¿Cómo te encuentras después de haber sido la única actriz de Kronos,  presentada en 2013 en Kaiola Blue?

Teresa Floriach: Bien, me siento muy bien. En Kronos era la única actriz, pero no estaba sola, hay dos músicos y dos bailarines, así que sola, sola no estaba. Pero aparte de eso, hay obras que precisan de pocos actores y otros espectáculos no. Este, con 40 artistas, me parece buenísimo, y formar parte de él también. No creo que ser protagonista sea imprescindible para disfrutar de algo. El resultado del espectáculo es muy bueno, y eso es lo que me importa.

Teresa Floriach (c) Bogumił Palewicz - "Kronos. Una calma erotica" photo published by courtesy of the Festival Opera Tigre
Teresa Floriach
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Renzo Longobucco: Trabajando en condiciones tan difíciles ¿piensas mucho en el sacrificio y maldición de ser un actriz?

Teresa Floriach: No, para nada, no tiene que ver con las condiciones, tiene que ver con el ser actriz “per se”. Eso es una bendición y una maldición, pero es inevitable al fin ser lo que uno es. Justamente, en este proyecto, las condiciones difíciles, hacen que el desafío, sea mayor, y eso nutre al personaje y a quien lo interpreta también. Cualquier circunstancia hay que aprovecharla y sacarle el jugo.

Renzo Longobucco: Estas muy cerca de ópera lírica, con abono en Buenos Aires Lírica y colaborando con el Teatro Colón y el Teatro Argentino, ¿has visto muchas operas barrocas en últimos años?

Teresa Floriach: Sí, he visto varias, y he trabajado en algunas también. Me gusta mucho la ópera como fenómeno teatral. Me gusta mucho verla y más estar en ella, como actriz. Hoy hay una generación de directores que dan espacio a los actores para que colaboren con la ópera, con la puesta, es muy interesante, si bien los protagonistas, son y serán los cantantes, poner un granito de arena a ese espectáculo tan complejo y completo como es una ópera, me parece genial. A mi personalmente me gusta mucho el barroco, desde muy joven, en casa se escuchaba mucha música clásica y yo tenía mis discos de Genesis, Supertram, Eagles, Pink Floyd, Bach, Locatelli, Pachelbel, Händel, Sacrlatti, Telemann...  El barroco tiene algo, que a mi me parece tan, pero tan moderno, hay muchos momentos que me remite al jazz.

Renzo Longobucco: ¿Y qué tal Purcell? ¿Puede ser moderno? ¿Puede ser universal? ¿Puede tocar nuestros corazones hoy?

Teresa Floriach photo (c) Alejandro Ares published by courtesy of the Festival Opera Tigre
Teresa Floriach
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Teresa Floriach: Sí a todo, totalmente. Como decía antes, a mi entender, y aclaro, no soy entendida en música, es muy moderno y llega, sin lugar a dudas a nuestros corazones. La música es universal. Hay momentos, hablando en concreto del espectáculo que estamos haciendo, la reina de las hadas, que son absolutamente magistrales, no creo que nadie pueda quedar indiferente ante “el lamento” de Titania, o el “hush, no more” de Oberón y la lista sigue….
Además en esta puesta, los instrumentos son modernos, bandoneón, acordeón, guitarra eléctrica…

Renzo Longobucco: Hipólita es una Amazona que ha perdido una guerra. ¿No te parece difícil construir un personaje que organiza su boda con su enemigo, Teseo, después de tantos funerales y tantas perdidas?

Teresa Floriach: Me parece que es un personaje rico, que tiene que negociar con la vida y el dolor y la bronca. Como tenemos que hacer todos ¿no? Me parece interesante y un desafío, claro, pero ¿quién es absolutamente coherente en su vida? Hay que buscar adentro de uno esas aristas, y sacarlas para afuera para construir ese personaje.

Renzo Longobucco: Según la puesta de Znaniecki y Purcell tu prometido llega borracho cantando The drunken poet de Fairy Queen ¿te imaginas en una situación así? Hipólita acepta su pedida de mano y toma el poder político. Hoy una mujer...

Teresa Floriach: Hoy, creemos que sería distinto. ¿En serio? Puede ser, pero también puede ser que no. Aparte no es importante lo que hoy sería, lo que es importante es que Hipólita lo hizo y tenía razones y motivos para hacerlo, eso es lo que importa. De todas maneras, repito ¿quién no ha tenido que negociar con la vida para sobrevivir? Y me refiero en el sentido más amplio de la expresión, negociar y sobrevivir. Hipólita es quien es, y no soy yo quien para juzgarla, estoy para entenderla y buscarle sentido a lo que hace.

Entrevista con Pedro Chalkho

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Pedro Chalkho photo published by courtesy of Pedro Chalkho
Pedro Chalkho
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Pedro Chalkho - compositor, productor y guitarrista. Forma parte de Factor Burzaco, banda nacional de renombre en Europa liderada por Abel Gilbert; Idaea, conjunto de jazz y fusión moderno; además de Catukuá, proyecto pop fusión junto a Carolina Restuccia. Además de eso, se desempeña como arreglista y compositor de música para cine, danza (siendo la más reciente IR de Diana Theocharidis) y comerciales además de ser sesionista de estudio y en vivo para distintas producciones discográficas nacionales y internacionales. Colabora frecuentemente con el trío de jazz contempraneo EPN, además de trabajar como productor, ingeniero de grabación y guitar doctor para distintas bandas.

Renzo Longobucco: ¿Cómo te sentís formando parte de la obra y sobretodo de una parte importante como es la música?

Pedro Chalkho: Bueno, la primer parte de la pregunta es bastante general! Ojalá pudiera describirlo mejor, pero en pocas palabras diría que me siento honrado, con mucho por descubrir dentro de la misma obra (que en si misma es una propuesta polisémica, dinámica e innovadora) y feliz de estar rodeado de gente tan talentosa y que ellos me hayan elegido para formar parte del grupo de trabajo. La música es muy importante, si, pero no me siento más especial que un bailarín o un actor por ello. De hecho, admiro el trabajo de mis compañeros artistas en otras áreas. Siempre y para todo aquel que se dedique a una disciplina artística, lo primero que se sabe y se observa en un colega es el esfuerzo, el sacrificio, la voluntad y la pasión por lo que se hace.

Renzo Longobucco: ¿Qué relación tenes con la música barroca?

Pedro Chalkho: Mi relación con la música barroca viene desde que soy chico, siendo que mi madre es flautista, especializada en música antigua. Siempre estuve cerca de esta música y, por supuesto, de quienes fueron irradiados por ella a lo largo de la historia, entre los cuales encontramos tanto a los músicos clásicos como a los jazzistas e incluso a la música pop en la cual podemos incluir a The Beatles, Queen o bien bandas del rock progresivo como Gentle Giant, solo por nombrar algunas de forma aislada y arbitraria. Dentro de lo que se llama barroco se encuentran compositores y músicas bellísimas, muchas de ellas insertas en el inconsciente colectivo por lo que se conoce como la cultura popular occidental. Dudo que alguien, hoy en día (y así como sucede con el clacisismo), no sepa quiénes fueron Bach, Vivaldi, Handel o Corelli. Sin dudas reconocerían sus músicas, aún no pudiendo nombrar quien las compuso.

Renzo Longobucco: ¿Cómo es la experiencia de tocar un instrumento como la guitarra dentro del repertorio barroco?

Pedro Chalkho: Bueno, a la guitarra no le es ajena la música barroca para nada! Hay mucha música muy importante (y famosa!) compuesta para laud o guitarra barroca que si bien mucha estaba escrita en tablaturas, se encuentran sus transcripciones para guitarra clásica muy fácilmente y forman parte del repertorio de cualquier instrumentista, tanto en etapas de formación como en etapas avanzadas y profesionales. En esta ocasión, de todos modos, estamos usando la guitarra eléctrica, haciéndola jugar un papel que va desde la de encargarse del bajo contínuo hasta ser el instrumento solista de una pieza (muchas veces melódico). Es poco ortodoxo, pero dadas las características tímbricas y expresivas de esta variante particular de la guitarra creo que funciona muy bien. Vale aclarar que estamos hablando de ópera barroca, que tiene rasgos particulares y se diferencia de varias formas de la música instrumental de la época.

Una nueva conversacion con protagonistas de "La reina de las Hadas " de 28 y 29 enero 2015 - Oberon y Demetrio

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Entrevista por Renzo Longobucco

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Gustavo Ariel Vita
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GUSTAVO ARIEL VITA - bajo

Cursó sus estudios musicales en el Conservatorio Alberto Ginastera (Morón - Bs.As.), actualmente continúa en el (ISATC) Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Becado por la fundación Teatro Colón 2013 y 2014. Participó como solista del concierto a beneficio llevado a cabo en el Teatro Argentino de La Plata en 2014, junto a destacados cantantes. En conciertos del ISATC en el Teatro El Globo. En eventos de Ópera con La Bella Música en el Teatro Avenida de Bs.AsY con los Directores escénicos: Michal Znaniecki; Alex Ollé y Valentina Carrasco de (La Fura des Baus), Lizzie Waisse, Betty Gambartes, Leonor Manso, Felipe Hirschfeldt.

Compromisos actuales: Bártolo y Antonio de “Le nozze di Figaro” (W. A. Mozart) en el Teatro Luz y Fuerza de Bs.As. Oberón de "Fairy Queen" (Henry Purcell) en el Festival de Ópera Tigre.

TOMÁS RIVERA- actor

Formado en la escuela de teatro "El Tigre" con Vanesa Weimberg entre 2007 y 2014; y en el "Estudio El Cuervo" con Pompeyo Audivert entre 2012 y 2014. Actuó en"Folletines" (2009), "Tigranes en el ring" (2010), y "Ecos del Tigre Hotel" (2013/2014), las 3 obras dirigidas por Vanesa Weimberg. "Museo Ezeiza" (2013/2014), "Domicilio particular" (2013/2014), "El Cadáver detrás de la pantalla" (2014), las 3 dirigidas por Pompeyo Audivert.

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Tomas Rivera
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En Tv actuó en la serie "Entre Aguas", producida por Canal Encuentro y emitida durante 2011 y 2013.

Renzo Longobucco: ¿Qué significa para usted la experiencia de presentarse en un escenario totalmente natural por primera vez, en donde el público no tiene un lugar fijo, sino que sigue el espectaculo caminando entre otras cosas?

Gustavo Ariel Vita: Me entusiasma la idea de poner esta historia en un escenario natural similar al que propone Shakespeare en "Sueño de una noche de verano" y el desafío como cantante de adaptarse a un lugar no preparado para esto, como lo es un teatro de ópera. Al mismo tiempo este contacto con la naturaleza predispone a una conexión más cercana con estos personajes del bosque, tanto para el artista como para el público, que vivencia la escena y el escenario junto a nosotros, durante todo el transito de este "sueño". Va a ser una experiencia muy linda para todos.

Renzo Longobucco: ¿Que desafios se plantean para usted a la hora de trabajar en un lugar disitinto a una sala de teatro convencional?

Tomas Rivera: Siempre es un desafio salir del escenario. Los límites "geográficos" de la sala y su distancia desaparecen, y los riesgos son otros. Se requiere de un gran nivel de escucha, de percepción en el momento, lo cual es exitante para mí. La cercanía física con el espectador es otra, estamos todos mezclados, compartiendo el mismo espacio, y eso es siempre distinto. Puede haber imprevistos, mas que lo normal. El desafío es poder usar a favor todos estos elementos. Si esto se logra, se puede convertir en una experiencia mucho mas vívida para el actor y tambien el espectador. En este caso, el escenario natural que se eligió es perfecto para contar esta historia, un gran acierto. Aparte, es en la zona que elegí para vivir, son colores y aromas que conozco bien, lo cual es un gran presente para mi.

Renzo Longobucco: ¿ Qué relación tiene con el repertorio barroco y con su personaje a la hora de interpretarlos?

Gustavo Ariel Vita: Si bien he interpretado repertorio barroco, fue liturgico, sinfonico coral u oratorio; con la ópera barroca me empecé a vincular hace muy poco. Tuve la oportunidad de interpretar el Re di Scozia de la ópera Ariodante de Händel, encontrandome con un lenguaje verdaderamente hermoso y complejo. En esta puesta asumiendo el rol de Oberon el rey de las hadas, que ya estuve trabajando en el ISATC, se suma a la ópera, el teatro de prosa. Proponiendo un desafío interpretativo muy interesante que creo poder asumir.

Renzo Longobucco: ¿Qué siginifica para usted como actor formar parte de esta  innovadora puesta en escena entre cantantes, acrobatas y bailes acuaticos?

Tomas Rivera: Significa un gran desafio como actor, y una oportunidad muy especial, que agradezco. Es un clásico, una obra hermosa, y estamos trabajando con una adaptación muy atactiva, original, que nos tiene fascinados, con la sensación de tener entre manos un propuesta novedosa, una nueva forma de contar esta historia. Tenemos la tranquilidad de ser dirigidos por un director talentoso y apasionado, asi como de contar con un excelente equipo de trabajo.

La "fuerza bruta" de la naturaleza en el Festival Opera Tigre 2015 - entrevista con Michał Znaniecki

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Michał Znaniecki i Teresa Grotowska zdjęcie (c) Archiwum Kaiola Blue
Michał Znaniecki y Teresa Grotowska
foto(c) Archiwum Kaiola Blue

Entre sus projectos europeos (la última inaguración de la Temporada del Teatro San Carlo de Nápoles con Il Trovatore y Ópera Nacional de Zagreb con Eugene Onegin) y su futuro en el desierto de Masada durante los próximos tres años con mega producciones como LaTraviata o Carmina Burana , Michal Znaniecki se encuentra en Kaiola Blue: una isla en la primera sección del Delta de Tigre donde prepara para  el 28 y 29 de Enero la puesta en escena de The Fairy Queen de Henry Purcell mezclado con el texto de Sueño de una noche de verano. Un elenco internacional (desde Polonia viene Ewa Biegas, ya conocida en el Teatro Colón por su interpretación en Hagith de Szymanowski, con ayuda de Embajada de Polonia; desde Viena llega otra estrella del mundo lírico europeo, el tenor Pablo Cameselle que es además de origen argentino) y cantantes argentinos con la guía musical del vasco Jon Paul Laka. Actores porteños, peruanos, colombianos, mexicanos, catalanes y tigrenses siguen un guión complejo de un espectáculo con diez estaciones trasladándose por toda la isla con acróbatas y bailarines que pueden sorprender al público en cada momento saltando de un árbol o emergiendo del río Paraná.

Desde su hamaca donde repone fuerzas entre ensayos, Michal Znaniecki contesta algunas preguntas de Renzo Longobucco.

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Renzo Longobucco: Una isla. La selva. Agua y bosque. Qué otra cosa más mágica podría haber soñado Shakespeare para ver la puesta de su "Sueño de una noche de verano"?

Michał Znaniecki: El mundo shakespeariano es un mundo evocativo. En el escenario orginal de The Globe imaginaba espacios, guerras, castillos y bosques tan importantes para la iniciación de personajes. Trasformación metafórica de personas, caracteres, géneros...

También Purcell encuentra momentos más imponentes en su Fairy Queen describiendo el eco o los juegos de las hadas. Su obra comienza con dos cantantes cantando "Leave the town" ("Dejad la ciudad") que parece casi un manifesto de nuestra iniciativa.

Organizar un Festival de Ópera en una isla, en el delta del río Paraná, a cuarenta minutos de Buenos Aires. Abandonando escenarios de madera y división entre público y cantantes. Un desafio?

En la producción la cosa más importante es no perder nunca esta diferencia. Estamos en la naturaleza, con sus ritmos, ruidos, imprevistos y no quiero fingir un clásico teatro a la italiana de una ciudad. The Globe de Shakespeare tambien tenía una estructura muy distinta.

Nuestro público sigue la historia literalmente, caminando, evitando las ráfagas de agua que lanzan las hadas maléficas, entrando en la selva donde solo el fuego nos ilumina el camino. Un viaje que debería transformarnos. No es esta la motivación de hacer teatro?

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Nimfas
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Un ritual?

Pero con la música clásica de Purcell y textos cómicos de Shakespeare para llegar a la catarsis. Llegar a la isla nos aleja del ritmo cotidiano. Nos transforma por un rato. Quiero usar esta fuerza del delta.

Teseo también llega sobre una balsa y, cantando, pasa por el Arroyo Gélvez. La acción se desplaza luego por diez lugares distintos de la isla. Pasando entre las maravillosas proyecciones de Bogumil Palewicz  e instalaciones del escenógrafo Luigi Scoglio. El público encuentra los bailarines de Diana Theocharidis sobre los árboles o sumergidos en piletas de agua. Se escuchan las voces de los artesanos ensayando la tragedia Píramo y Tisbe entre un bosque de bambú mientras el público acompaña a los jóvenes actores en este viaje de amor perdido y confundido en la selva.

Parece un parque de atracciones!

Así es. Como en un parque de atracciones, donde el tunel de los horrores o la montaña rusa son una prueba de coraje, de madurez, de capacidades: como en las escenas de La Flauta Mágica de Mozart. Nuestro espectáculo es menos extremo para el público pero puede funcionar a modo de viaje iniciático para el público que no conoce la opera. El barroco está más vivo que nunca y muchos de los grandes teatros no lo hacen a menudo (acústica) pero los éxitos de espectáculos como "Bromas y Lamentos" de Marcelo Lombardero  hecho en un bar de Buenos Aires con música de Monteverdi  o  "Il Flaminio"  en una iglesia de Jesi en el Festival Pergolesi Spontini lo confirman.

El viaje de FOT empieza con el barroco. Qué pasa entonces con los instrumentos antiguos? Con esta humedad?

La elección, poco ortodoxa, fue hacer una adaptación inédita para acompañar a nuestros cantantes: acordeón, bandoneón a cargo de Pablo Mainetti y guitarra eléctrica. Pueden desplazarse con el público y defender las armonías de Purcell. Con cantantes "especialistas" de este repertorio como Ewa Biegas, Pablo Cameselle y cast argentino con Ana Moraitis, Gustavo Vita o Juan Feico.

Cantantes, sí, que se encuentran ante situaciones extremas!

Artistas que no tienen miedo de experimentar. Cantar en una telaraña gigante como Puck (tenor) o en una piscina llena de agua y bailarinas hadas para Titania (soprano) es una experiencia única para enseñar la profesionalidad y arte que poseen.
Encontrar colores, imágenes, matices que buscaba Purcell en situaciones escénicas que Shakespeare se imaginaba me parece un lujo y un desafío .

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Nimfas
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No tiene miedo de perder la calidad musical y teatral en un entorno tan disperso?

Como he dicho antes: sigo el recorrido de la isla, sus estímulos y sus limitaciones. No quiero forzar nada, no construimos escenarios ni plateas, no tenemos foso de orquesta ni tribunas. Cada escena tiene su estilo teatral y musical tal como querían los autores mezclando lo cómico con lo sentimental y lo trágico con lo satírico. En todo eso nos ayuda la naturaleza creando escenarios naturales y sorprendientes: un muelle, un puente, un humedal ... hasta los árboles donde anidan loros isleños (ya acostumbrados a la música).

Una lectura ecléctica entonces?

Al poner en escena The Fairy Queen de Purcell hay siempre una cuestión básica: con o sin Shakespeare.

Una pregunta lícita?

El libreto de la ópera no está atado casi a la obra de Sueño de una noche de verano. Se usaba como música de escena (danzas, cortes de acción) o como entreactos musicales. Está llena de panfletos sociales y sátira política, escenas líricas habituales con metáforas poéticas y clásicas. Tiene solo dos tres momentos en los que habla de los personajes shakespearianos.

Pero en el elenco veo personajes como Puck, Oberón, Titania, Artesanos...

Esta es mi tercera producción de The Fary Queen: en las dos primeras producciones colocaba a los personajes de la comedia "en la búsqueda de autor" (en el número musical correspondiente al poeta borracho en el inicio de la obra) y terminaba con la identificación del poeta borracho como el propio Shakespeare. Ahora hemos mezclado el texto con canto construyendo una dramaturgia nueva. Así Oberón y Titania cantan cosas mas líricas y  Puck o las hadas se encargan de los dúos cómicos o canciones populares para acompañar las escenas de los Artesanos. La canción "If love's a sweet passion" se repite tres veces! Así es. Puck, Oberón  y las hadas siguen a los enamorados y cantan como leitmotiv esta bella canción de Purcell que ya en partitura tenía distintas versiones en varias tonalidades.

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El público no se sienta nunca?

Hay que caminar (toda la isla está recorrida por decks elevados sobre el suelo que nos salvan de inundaciones), pero cada escena tiene otro tipo de relación espacial entre el artista y el espectador.

Hay lugares donde se sientan todos en modo clásico, como anfiteatro, otras veces se quedan de pie o siguen el texto de los actores caminando con ellos. Hay también un momento para beber con los Artesanos o bañarse con las hadas.

"Fuerza Bruta" como modelo?

Pero al aire libre y con la propia naturaleza que crea una parte de la maravilla del espectáculo.

Entrevista con Pablo Mainetti y Jon Paul Laka

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ENTREVISTA CON PABLO MAINETTI Y JON PAUL LAKA

Sobre la adaptación musical de THE FAIRY QUEEN en la próxima producción para el FESTIVAL OPERA TIGRE (FOT)

Entrevista por Renzo Longobucco.

Pablo Mainetti foto publicada por cortesía del Festival de Ópera de Tigre Jon Paul Laka foto publicada por cortesía del Festival de Ópera de Tigre
Pablo Mainetti y Jon Paul Laka
foto publicada por cortesía del Festival de Ópera de Tigre
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En el próximo Festival de Ópera Tigre se presenta una nueva producción de The Fairy Queen de Henry Purcell con los textos de Midsummer Night's Dream de William Shakespeare.  Unas funciones que contarán con varios desafíos, desde representar la obra al aire libre en una isla rodeada de los canales del Delta de Tigre donde el público solo puede acceder por transporte fluvial, contar con una escenografía natural de la propia selva de la isla donde escapan los enamorados para encontrarse con el mundo de hadas y elfos, convertir al público en un elemento participativo que camina entre diversos escenarios donde se van presentando las distintas escenas, hasta escuchar un original ensemble instrumental que interpreta la música barroca con instrumentos inusuales en este repertorio: bandoneón, acordeón y guitarra eléctrica. Pablo Mainetti y Jon Paul Laka han adaptado la obra para este ensemble junto a la inestimable colaboración Pedro Chalkho, un gran virtuoso de la guitarra eléctrica. Nos juntamos hoy con ellos para hablar de esta adaptación de la obra de Purcell para el Festival de Ópera Tigre. Pablo Mainetti es sin duda una de las figuras más destacadas entre los bandoneonistas actuales. Su excelencia musical se extiende desde el campo de la interpretación hasta la composición de música para distintas formaciones instrumentales, ópera y arreglos de obras de otros compositores. Miembro del Quinteto de la Fundación Astor Piazzolla, la prueba de su versatilidad se encuentra en la cantidad de proyectos de diversos estilos en los que se ha involucrado a lo largo de todo el mundo con un acento importante en la música de tango pero con derivaciones al jazz o la música contemporánea, como solista a nivel internacional interpretando entre otras obras el Concierto para  Bandoneón y Orquesta de Piazzolla, colaborando con una lista de artistas que abarcan desde los mejores cantantes de tango hasta Joan Manuel Serrat o Ute Lemper, tocando en ciudades como Nueva York, Leipzig, Londres, Madrid... Sus numerosas grabaciones, entre las que podemos encontrar sus propias composiciones, han sido objeto de premios y distinciones incluyendo la nominación a los Premios Grammy. Un impresionante recorrido.

Henry Purcell (c) Robert White; source Sotheby's; from wikipedia - commons.wikimedia.org/wiki/File:Purcell_portrait.jpg
Henry Purcell
Foto - Wikipedia / Click para ampliar

Renzo Longobucco: Música barroca con bandoneón, acordeón y guitarra. La primera pregunta parece muy clara, porqué?

Pablo Mainetti: La respuesta parece aún más clara: porqué no? Como instrumentista la música barroca forma parte de la formación para cualquier estudiante y he pasado muchas horas de vida interpretando por ejemplo la música de Bach. Si no se interpreta más habitualmente en público y queda relegado al ámbito más privado en el caso del bandoneón se debe más a una cuestión de tradición que de la adecuación o no desde el punto de vista artístico. La música es música sea cual sea el instrumento que lo interpreta, y entiendo la música en un sentido muy amplio donde cualquier experimentación es posible. Siempre se puede discutir luego sobre la adecuación estilística y el nivel artístico del resultado, como en cualquier interpretación musical ya sea del barroco o de la música contemporánea o el jazz, pero estoy convencido que esto depende más del intérprete que de las posibles limitaciones que se quieran conferir al instrumento en sí mismo. En el caso del bandoneón, que tantos estrechos lazos guarda con otro instrumento de fuelle como el acordeón, se puede decir que cuenta con las posibilidades de instrumentos de teclado con la precisión de ataque y las líneas rápidas para los pasajes virtuosísticos y la ornamentación, pero a la vez permite la modulación dinámica del sonido sobre notas mantenidas y el sostenimiento pleno del sonido entre una nota y otra como ocurre en los instrumentos de arco y viento. Es decir, las mismas características que hicieron del órgano uno de los instrumentos emblemáticos de la música barroca.

En este momento se añade a la conversación Jon Paul Laka, acordeonista formado en Bilbao en una de las grandes escuelas de acordeón de España, iniciada por un hombre visionario y virtuoso del acordeón, Josu Loroño, que formaba a sus estudiantes con toda la disciplina y rigor musical que él mismo había recibido en su formación musical en el piano o la composición. En un momento en el que el acordeón no formaba parte de los instrumentos aceptados en los grandes conservatorios de música, llegó a fundar la Orquesta Sinfónica de Acordeones de Bilbao que ha cumplido ya más de cuarenta años de existencia con un prestigio incuestionable en su campo y en la que nuestro entrevistado tocó durante casi veinticinco años. Su trabajo como director artístico de la Ópera de Bilbao ABAO durante los últimos ocho años y la  dirección artística actual del Festival Ópera Tigre son una muestra además de su conocimiento del repertorio operístico.

Jon Paul Laka: El hecho de que instrumentos inhabituales en el barroco se acerquen a esta música es un resultado lógico de la búsqueda de nuevas sonoridades y posibilidades que sencillamente los compositores de la época no tenían. Las formaciones musicales de muchas de las obras musicales de esta época dependían sencillamente en la mayor parte de los casos de los recursos disponibles, y no de la decisión del compositor de definir una formación cerrada y exclusiva de instrumentos, lo que crea toda una tradición que a su vez genera instrumentistas formados para esa misma tradición. No se trata tanto de justificar una opción instrumental que se pretenda como exclusiva y única, puesto que no hay necesidad de tener que optar por un modo de hacer las cosas en detrimento de las demás. En todo caso, basta con explorar por internet para encontrarse con alguna excelente versión de la Variaciones Goldberg  y una larga lista de las obras de Bach o las Sonatas de Scarlatti con acordeón. Como decía Pablo, se trata de una labor de experimentación desde una postura de búsqueda de la excelencia.

Nymphs photo (c) Teresa Grotowska published by courtesy Festival Opera Tigre
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Nimfas
Foto (c) Teresa Grotowska
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Pablo Mainetti: Pero yo diría aún más, el purismo que sigue la tradición a ciegas puede situar la propia música en un callejón sin salida, en un ambiente reducido y carente de oxígeno que lo debilita y acota a un entorno de oyentes limitado que se va agotando con el tiempo, acostumbrado a una tradición rígida sin espacio para la fantasía y la iniciativa del intérprete. Si uno lo analiza con cierta perspectiva, se encuentra con suposiciones sobre los modos y maneras de interpretar determinados estilos que acaban convirtiéndose en certezas por el mero hecho de repetirlas. Qué duda cabe que la tradición es importante y hay que estudiarla, pero sabiendo precisamente que es una tradición y no un totem intocable. Cuestionar esta tradición desde el conocimiento es lo único que ha hecho evolucionar a la propia música.

Jon Paul Laka: Deberíamos mencionar también que ni siquiera el hecho musical se entiende de la misma forma por el público que hoy va a escucharla. El público de hoy ha escuchado ya lenguajes y formas musicales inimaginables para el público que escuchaba a Purcell en su época, han visto cine, han expuesto su apreciación estética a la pintura abstracta, al jazz, a la música pop... no se puede abstraer de todas esas influencias cuando se sienta a escuchar esta música magistral de Purcell. Sin contar con el hecho de que ver una ópera hoy en día es muy distinto a lo que el público esperaba en otras épocas. La tradición de escuchar la música sentados a oscuras en una sala cerrada en completo silencio es una costumbre que se inicia y se va imponiendo muy avanzado el s. XIX. Por lo tanto, pensamos que en esta especie de experiencia Fitzcarraldo que ofrecemos al público, al aire libre en medio de la selva caminando entre escenario y escenario siguiendo a los artistas, la propuesta de nuestro ensemble instrumental tenía un sentido lógico. Además, en esta experiencia tan original era importante tener instrumentos que pudieran desplazarse con facilidad entre la vegetación de la isla, y hubiera sido difícil hacerlo con un clave, chelos, o instrumentos más pesados o delicados y susceptibles a la desafinación por el cambio de temperatura en las noches en el Delta de Tigre (risas) Y contar con el bandoneón parecía además una opción imprescindible, teniendo por compañero de viaje de lujo a Pablo e intepretando esta obra en Argentina!

Renzo Longobucco: Desde el punto de vista técnico, cómo habéis abordado la adaptación de la obra?

Jon Paul Laka: Primero estudiando, estudiando, estudiando la partitura... y escuchando la obra hasta conocerla perfectamente. Fue además muy reconfortante escuchar como distintas interpretaciones entendían de formas tan diversas la misma música, reforzando la idea de que podíamos también atrevernos a jugar con esta música. Es sorprendente comparar el número de músicos que emplean en distintos casos o las opciones de estilo. Por poner un ejemplo muy claro, Purcell incluye en esta obra como en tantas obras suyas una larga escena protagonizada por un borracho, en este caso además un poeta borracho, interpelado continuamente por las hadas y el coro. Las melodías del borracho son pegadizas y muy populares, seguramente el público llegaba a cantarlas con él entre risas y burlas ya que constituían siempre un número con gran éxito popular. Pues bien, uno se encuentra con grabaciones que tratan este número con un estatismo rayano en la frialdad mientras otras se decantan por una interpretación más divertida y popular. En el extremo nos encontramos con el estilo de uno de los grandes y más bellos momentos de esta obra como es el famoso lamento de Titania. Una de esas piezas que paran el tiempo, que parecen tan atemporales que podría pertenecer a muchos estilos, a partir de una línea cromática que emparenta con otro de los grandes logros de Purcell como es la muerte Dido. La fuerza dramática de la línea vocal y la belleza intrínseca de la música permiten cualquier tipo de adaptación siempre desde un profundo respeto por la esencia de la música. Nosotros lo interpretamos con acordeón y guitarra eléctrica en lugar del violín obligado. Pero el resultado nos parece igualmente bello. En este apartado me gustaría mencionar por ejemplo el precioso y original tratamiento que otra gran especialista como Christina Pluhar da a la música de Purcell, incluido este lamento de Titania, en su último trabajo discográfico desde una perspectiva totalmente distinta pero igualmente innovadora y llena de ideas.

Pablo Mainetti:Estoy totalmente de acuerdo en lo que dices que lo importante es el respeto absoluto no a una tradición sino a la esencia de la propia música. Entiendo que incluso esta esencia de puede ser debatible, pero nosotros lo hacemos desde un profundo respeto a esta esencia que queremos acercar a un público que no necesariamente está familiarizado a escuchar música barroca. Pero es importante decir también que hemos trabajado con una partitura con la que hemos experimentado diversas alternativas en el reparto de las distintas voces. No empleamos un criterio rígido sobre quien lleva una parte y quién lleva otra, por ejemplo, entre el bajo continuo y la parte solista. Esto lleva a la necesidad de transcribir a veces la partitura como yo mismo hice en algunas de las secciones instrumentales del arranque de la obra. Una parte donde Purcell juega con el contrapunto y necesitamos repartirnos las voces de formas distintas en cada una de las secciones. Particularmente ya solo por el resultado de esta larga introducción instrumental me siento contento de hacer música en este proyecto.

Jon Paul Laka: Ocurre incluso con la guitarra que a veces adopta la línea del bajo continuo sobre la que jugamos nosotros acompañados de los cantantes, o a veces se erige como el expositor de una melodía o como he dicho antes en el precioso juego de voces con la soprano en el lamento de Titania. Lo cierto es que en esta adaptación en la que jugamos con transcripciones y la lectura sobre la partitura original, para mi es además de un privilegio, una ocasión de comprobar la importancia que tiene tener por compañeros a dos grandes músicos de los que siempre se aprende y tener una complicidad incuestionable cuando hacemos música juntos.

Nymphs photo (c) Teresa Grotowska published by courtesy Festival Opera Tigre
Nimfas
Foto (c) Teresa Grotowska
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Renzo Longobucco: Habéis hecho ya un concierto con gran parte de la música de la obra. Estáis contentos del resultado? qué pensaron los cantantes o el público al escuchar el resultado?

Pablo Mainetti: El resultado fue realmente fantástico. Contábamos con un público de más de cuatrocientas personas, muy espontáneo y salvo contadas excepciones diría que muchos escuchaban esta música por primera vez en su vida. Una de las medidas del éxito aunque parezca una paradoja es el propio silencio del público absorto en muchos de los momentos de gran belleza de la obra. Ver que nadie mira al móvil o se dedica a mandar mensajes (risas), notar ese silencio que participa de la tensión que el silencio musical va construyendo. Por supuesto que los aplausos que se escuchan al final también gustan y de eso tampoco nos podemos quejar.

Jon Paul Laka: Hay que pensar que todos los cantantes que trabajan con nosotros tienen también una gran experiencia en música barroca con otras formaciones instrumentales más ortodoxas, pero en ningún momento hubo ningún desacuerdo y desde el primer momento se mostraron cómodos trabajando en conjunto. Desde la primera nota que tocamos juntos, parecía que siempre lo hubiéramos hecho así. Creo que eso es el respeto que compartimos por la misma esencia de la música, tan difícil de definir pero que todos experimentamos.

Pablo Mainetti: Por supuesto que como cualquier intérprete de cualquier género, siempre piensas que te quedan cosas por mejorar, por cambiar para ver si funcionan mejor, por redondear y limar... pero esa es una sensación fundamental para seguir avanzando como intérprete. Satisfechos del trabajo realizado pero pensando en qué aspecto puedes aún hacer algo más valioso, más expresivo y que transporte la emoción necesaria al público. Si conseguimos eso acompañados de la luz de la luna en una noche de estrellas, me daré por satisfecho.

Hadas, nimfas, sirenas & La Reina de las Hadas

 

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